Con la siguiente entrada se quiere que el alumno conozca la estructura de un monasterio, para entender mejor la forma de vida de los miembros de una Orden, en este caso la Orden de los Cartujos. Se centra la entrada en el claustro, pues es el punto neurálgico del monasterio pues todas las dependencias del mismo confluían en torno a este lugar.
LA CARTUJA DE GRANADA: EL CLAUSTRO.
Nada
más acceder al monasterio lo primero que vemos es el claustrillo (del siglo
XVII), pues se accede directamente a él por la puerta de la derecha de la
fachada principal.
La
construcción del mismo es de fecha anterior a la iglesia. Presenta una planta
cuadrangular perfecta, con un deambulatorio o galería abierta y porticada,
sustentada con columnas de orden dórico, hechas en piedra gris de Sierra
Elvira. Desde este claustro menor se podía acceder al refectorio, a la Sala
Capitular, a la Sala de Profundis y a la Sala Capitular de los Legos. Su
aspecto es el de un amplio patio luminosos y ajardinado, lleno de rosales,
flores y naranjos y articulado en torno a una sencilla pero elegante fuente
central, nos evoca más a un típico patio andalusí que un convento de clausura
de una orden tan rigurosa y ascética como la de los Cartujos. Así la breve vida
en común de la que podían disfrutar los monjes transcurría entre la iglesia, a
la que presta dos entradas, y este claustro con sus respectivas dependencias.
Restaurado
hace pocos años han quedado sus arquerías y ha sido necesario retirar las
series de grandes lienzos que cubrían sus muros, realizados la mayoría por el
Lego Sánchez Cotán.
Por
lo tanto el claustro albergaba:
- - Los lienzos sobre el origen de la Orden
que se explicaran más adelante ya que están (en la sala de Profundis).
- - Y otro ciclo más moderno como fue el de la
prisión y martirios sufridos por los priores cartujos en Inglaterra en la
época de Enrique VIII (hoy en el refectorio).
Lo
realizado por el Lego constituye uno de los más importantes y tempranos
conjuntos de pinturas monástica que se realizaron en España, de hecho es
posible que todas las celdas de los monjes pudieran tener crucificados y
vírgenes pintados por el lego castellano.
No
obstante, aunque Cotán pinto en gran abundancia lienzos para las distintas
dependencias del monasterio (un importante grupo hoy en el museo y otros en
propiedad particular o perdidos), sin embargo no pudo completar la decoración del claustrillo, ello se hizo con una serie de lienzos,
también de historia de la Orden, de Vicente Carducho, y que son replicas
de otros tantos cuadros del gran ciclo que realizo el mismo artista para el
claustro del Monasterio del Paular. No obstante Carducho antes de pintar el
Monasterio del Paular estuvo en Granada para conocer en persona a Cotán.
Se adjunta:
- Plano general que permite la ubicación del claustro respecto al resto del edificio.
- Imagen antigua del Claustro de la Cartuja de Granada cuando aún mantenía sus lienzos en dicho lugar.
- Imagen del Monasterio del Paular en el que sin duda se inspiró la Cartuja de Granada para la colocación de los lienzos, así como en el ciclo pictórico.
- Vídeo de la Cartuja en donde se ven todas las dependencias de la misma.
Con la presente entrada se quiere mostrar como las artes están relacionadas entre si, aunque en ocasiones no lo parezca, así, tras la lectura de la misma el alumno deberá ser capaz de buscar la relación entre una obra musical y una obra no musical y presentarla por escrito siguiendo el siguiente esquema.
EL ARTE Y LA MÚSICA: XENAKIS Y LE CORBUSIER.
1º
IDENTIFICACIÓN DE OBRAS.
OBRA MUSICAL
AUTOR:
Ianis Xenakis (1922-2001)
TÍTULO:
“Metástasis”.
FECHA
DE CREACIÓN: Escrita entre 1953 y 1954. Estreno en 1955 durante elfestival de Donaueschingenbajo la batuta del directorHans
Rosbaud.
TÍTULO: “Pabellón Philips” de Bruselas (Realizado siguiendo “El
Modulor”).
FECHA DE CREACIÓN: En 1958 para la Exposición Universal de
Bruselas.
TÉCNICA O MATERIAL: Construido
siguiendo lo establecido en “El Modulor”, El pabellón es una composición
asimétrica formada por 9paraboloides hiperbólicos. Los paraboloides se conformaban mediante piezas rectas de hormigónprefabricado de aproximadamente 1,5 metros de anchura y 6 cm de
grosor, sustentados por cables tensores por ambas caras.Los tensores de acero exteriores
quedaban a la vista, mostrando una superficie reticulada, mientras que las
paredes interiores estaban recubiertas deamiantopara generar un efecto de caverna y potenciar la
sensación acústica.
LUGAR EN QUE SE CONSERVA: Se encontraba en Bruselas hasta
1959 año en que fue demolido.
2º PRINCIPALES RASGOS Y ANÁLISIS COMPARATIVO DE AMBAS OBRAS.
La música de Xenakis se caracteriza por la interrelación
entre los elementos procedentes de la propia música, de la física, la
arquitectura y las matemáticas. Su concepto de música estocástica se basa en
ideas matemáticas como la teoría de conjuntos, la lógica simbólica y la teoría
de probabilidades, unidas a un concepto de stochos o evolución hacia un estado
estable, es decir, hacia lo ordenado.
Como ya se ha señalado, Metástasis refleja la influencia de El
Modulor. Esta obra iba a formar parte en un principio de una trilogía titulada
Anastenaria (junto con Procession aux eaux claires y Sacrifice), pero fue
separada por el compositor para su interpretación aislada. Dicha obra, fue
hecha para 61 instrumentistas (12 instrumentos de viento, 3 percusionistas a
cargo de 7 instrumentos, 46 instrumentos de cuerda) así todos ellos tocando
partes individuales distintas de las demás. Está escrita usando la técnica
"sonido en masa", en la que cada intérprete es responsable de
completar glissandos a diferentes alturas y tiempos. La pieza está dominada por
las cuerdas, iniciando la pieza al unísono separándose posteriormente en 46
partes. Esto se puede ver muy bien en la representación gráfica que Xenakis
hizo de la obra (en anexo). Así en ella la orquesta toca completamente en
divisi en 65 partes con las cuerdas y vientos cambiando continuamente la
calidad del sonido. La idea del Modulor se confronta con el método serial, y el
resultado es que pueden encontrarse una serie de semejanzas entre ambos, puesto
que en los dos se desarrollan operaciones matemáticas que deben prefigurarse
antes de la composición en notación; y en ambos se separan los parámetros del
sonido (altura, duración, intensidad y timbre). En ningún caso existe una
dependencia de un tema. Pero también existen diferencias dado que en el método
serial las operaciones forman un orden de sucesión de los valores de los
parámetros, mientras que en el Modulor los valores para determinar las
proporciones son estándar. En Metástasis, Xenakis estableció el discurso de la
obra como un desplazamiento continuo de una línea recta, musicalmente esto se
representa por el empleo de los glissandos, de manera que se generen espacios
sonoros en constante evolución. En su libro Formalized Music, Xenakis destaca
el valor de estos glissandos y comenta que si éstos son largos y están
suficientemente entrelazados se obtienen espacios sonoros de evolución
continua, y que es posible producir superficies ordenadas dibujando los glissandos
como líneas rectas.
Señaló el propio Xenakis haber llevado este experimento a la
práctica con Metástasis, sirviendo esta obra musical de inspiración para el
diseño arquitectónico del Pabellón Philips de Bruselas. Trasladando así Le
Corbusier y Xenakis esta serie de glissandos anteriormente mencionados a la
fachada del Pabellón Philips de Bruselas creando paredes deslizantes de glissandos,
experimentando para ello con secciones cónicas que tenían como característica
el trabajo sobre superficies deformadas engendradas por líneas rectas, siendo
la propiedad más destacable la estabilidad y la distribución de pesos.
De esta manera, la música y la arquitectura surgen como
organizaciones de intervalos sonoros o de elementos métricos en el tiempo y el
espacio, y comparten, a un nivel abstracto, un nexo común, como señala Le
Corbusier, “la música es tiempo y espacio, como la arquitectura. La música y la
arquitectura dependen de la medida” de hecho este es un concepto básico dentro
de las artes del número y la proporción. Además pretendían crear un “poema
electrónico” basado en las ondulaciones de la fachada como si de música se
tratara y un juego de luces que darían como resultado una performance de unos 2
minutos aproximadamente.
El resultado de la relación de estas dos obras es que se
produce una síntesis artística del sonido, la luz, la arquitectura y del “gesto
electrónico”, teniendo en cuenta que el concepto estético que se pone en marcha
es el de abstracción aplicado a la música.
3º CONCLUSIONES.
Al comparar ambas obras se observa como en verdad existe una muy estrecha relación entre dos artes
que a priori parecen tan dispares como son la arquitectura y la música, dado
que en este caso concreto la partitura se hace edificio, pues el papel se
vuelve hormigón y las ondas sonoras se convierten en delicados movimientos de
paredes. Es sin duda a mi parecer la comparación de obras más exacta que se
puede encontrar pues según Xenakis (uno de los autores) el Pabellón Philips no
es otra cosa que el reflejo de la partitura de su obra Metástasis. Se ha de
tener en cuenta que esta idea de transportar una partitura a las tres
dimensiones también se llevó a cabo a la inversa de una manera asombrosa pues
Xenakis en 1966 fundó en París el Centro de Estudios de Matemáticas y Música
(CEMAMU), en donde diseñó el UPIC (Unidad Poliagógica de Información del
CEMAMU), en el que se puede dibujar sobre una pantalla cualquier trazo
transformándolo la maquina en música. Viendo así el autor este invento como una
manera útil de trasladar sus planos arquitectónicos a la música.
Es esencial saber que es un glissando para entender ambas
obras pues un glissando (en plural, glissandi) es un efecto sonoro consistente
en pasar rápidamente de un sonido hasta otro más agudo o más grave haciendo que
se escuchen todos los sonidos intermedios posibles, dependiendo de las
características del instrumento. Viene del francés cuyo significado es
resbalar, deslizar y eso es precisamente lo que me transmite la fachada del
Pabellón Philips pues como si de un juego de toboganes se tratara (dicho vulgarmente)
se ve en su fachada esa sensación resbaladiza o deslizante, no representándose
otra cosa que la vibración de los sonidos que se desprenden de la propia obra
musical Metástasis.
Elementos adjuntos necesarios para entender la entrada:
- Enlace con la obra musical en cuestión, de Ianis Xenakis.
- Imagen del Pabello Philips de Le Corbusier.
- Dibujo con diseños preparatorios del pabellón,
- Dibujo donde se representan los glissandos de la partitura y en que como vemos guardan especial relación con la obra arquitectónica definitiva.
Se propone a los alumnos que realicen otra comparación de una obra musical y una obra artística, ya sea escultura, pintura o arquitectura.
Con la siguiente entrada se quiere que el alumno tras la lectura de la misma y el visionado de la película propuesta, pueda comprender la importancia que tiene el cine, el considerado séptimo arte. Gracias a esta película el alumno podrá comprender que se quiere decir con el titulo de la entrada "el cine dentro del cine", pues en esta película el inigualable Tornatore consigue introducir escenas de grandes películas de la historia del cine, haciendo que formen parte de la misma.
Ademas la película es un recorrido por los entresijos y mecanismos de funcionamiento del cine, lo cual la convierte en una especie de documental.
Al final de la misma se proponen una serie de cuestiones que el alumno ha de contestar y que le servirán para afianzar los conocimientos adquiridos, así como para reflexionar sobre ellos.
La presente actividad va destinada a los alumnos de Historia del Arte de 2º de Bachillerato, de manera que puedan comprobar que el arte no solo se encuentra en los cuadros sino también en el cine.
EL CINE DENTRO DEL CINE: "CINEMA PARADISO".
1º
DATOS TÉCNICOS.
Dirección:
Giuseppe Tornatore
Producción:
Franco Cristaldi y Giovanna Romagnoli
Guion:
Giuseppe Tornatore
Música:
Ennio Morricone
Fotografía:
Blasco Giurato
Reparto:
-Philippe Noiret
-Salvatore Cascio
-Marco Leonardi
-Antonella Attili
-Jacques Perrin
-Agnese Nano
-Brigitte Fosey
Países: Italia
y Francia.
Año: 1988
Género: Melodrama
Duración: 123
minutos.
2º
SINOPSIS.
En
la Roma de los ochenta, Salvatore Di Vita es un exitoso director de cine. Una
noche, al llegar a casa, le informan de que ha llamado su madre pidiéndole que
regrese a su pequeño pueblo de origen, Giancaldo, porque Alfredo ha muerto.
Afectado por la noticia, Salvatore empieza a recordar, melancólico, sus
vivencias de infancia, cuando era tan sólo un niño de apenas cinco años al que
todos conocían como Totó. Nos encontramos ahora en los años cuarenta de un
pueblecito siciliano. Totó es un enamorado del cine: se gasta el poco dinero
que su madre viuda le da para comprar leche en una entrada de cine; merodea
escondido tras las cortinas de la iglesia (el único local cinematográfico del
pueblo, “Cinema Paradiso”) cuando el cura visiona las películas para actuar
como censor; y entabla una amistad profunda y casi paternal con el operador del
cinematógrafo, el viejo Alfredo.
Junto a él, en la pequeña cabina de proyecciones, visionará las películas, jugará con los pequeños recortes de celuloide eliminados por la censura, aprenderá el oficio y a amar el cine por encima de todo. Una noche durante la proyección, la película cinematográfica se prende incendiando todo el local. En el accidente Alfredo pierde la vista y sólo sobrevive gracias al valiente Totó, que heroicamente logra salvar a su amigo de las llamas. El local es comprado y restaurado por un vecino del pueblo, quien contrata al pequeño Totó como operador cinematográfico. Allí permanecerá hasta la adolescencia.
Totó tiene ahora unos dieciséis años y
además de trabajar en la cabina graba algunas tomas con su pequeña cámara,
especialmente planos de la chica de la que se enamora perdidamente y con la que
mantiene una relación pasional y dolorosa. Finalmente Alfredo convence a Totó
de que lo mejor para él es que se marche del pueblo para no volver jamás y así
emprender una nueva vida en la que le esperan grandes éxitos profesionales.
Sólo la muerte de su viejo amigo consigue el regreso a su tierra. Allí le
aguarda su pasado, su viejo Cinema Paradiso que va a ser demolido, sus primeras
tomas guardadas con cariño por su madre, su primer amor y un emotivo regalo que
le había guardado Alfredo durante todos estos años, un rollo de celuloide
compuesto minuciosamente con todas las escenas cortadas por la censura con las
que de niño jugaba en la cabina.
Sin
duda se trata, junto con Ocho y medio 8 ½ de Fellini, de la película
metacinematográfica italiana más conocida por los espectadores, no en vano fue
ganadora del Óscar y el Globo de Oro a mejor película extranjera. Cinema Paradiso
trata sobre el amor al cine y lo hace a través de los ojos de un niño y de un
anciano.
Además
es una sincera radiografía de los pueblecitos sicilianos de la época y de cómo
se vivía el hecho cinematográfico en uno de sus mejores momentos. Todo el pueblo
acudía al cine, reía, lloraba, se emocionaba, se enamoraba, se excitaba… Por
otro lado, al encontrarnos con una cabina y una sala de proyecciones como
escenarios principales, es casi inevitable la referencia a numerosas películas,
ya sea a través de carteles o de las mismas proyecciones e incluso por medio de
la recreación de los diálogos en los juegos del pequeño Totó. Es el caso de
Verso la vita (Les bas-fonds, Jean Renoir 1936), Casablanca (Michael Curtiz,
1942), La diligencia (Stagecoach, John Ford, 1939), La tierra tiembla (La terra
trema, Luchino Visconti, 1948), La fiebre del oro (Lust for Gold, S. Sylvan
Simon,1949), Charlot campeón de boxeo (The Champion, Charles Chaplin, 1915), En
nombre de la ley (In nome della legge, Pietro Germi,1949), Lo que el viento se
llevó (Gone with the wind, Víctor Fleming, 1939), Furia (Fury, Fritz Lang,
1936), Pompieri di Viggiù (Mario Mattòli , 1949 con el gran actor y poeta
italiano cuyo apodo es precisamente Totò), Arroz amargo (Riso amaro, Giuseppe
de Santis, 1949), Cadena (Catene, Raffaello Matarazzo, 1949), Siete novias para
siete hermanos (Seven Brides for Seven Brothers, Stanley Donen, 1954), Ulises
(Ulisse, Mario Camerini, 1955), El grito (Il grido, Michelangelo Antonioni,
1957), Moby Dick (John Huston, 1956), Obsesión (Ossessione, Luchino Visconti,
1943), Y Dios creó a la mujer (Et Dieu créa la femme, Roger Vadim, 1956) entre
otras muchas.
Por
otro lado, el viejo Alfredo le da sabios consejos al pequeño Totó, que, como no
iba a ser menos, están relacionados con la vida y el cine: “¡Vete!, vete y no vuelvas nunca. Y si algún
día te gana la nostalgia y regresas… No me busques. No toques a mi puerta
porque no te abriré. Busca algo que te guste y hazlo, ámalo como amabas de niño
la cabina del Cinema Paradiso. Desde hoy, ya no quiero oírte hablar; ahora,
quiero oír hablar de ti." El proyeccionista sabía muy bien que Totó se
iba a convertir en un gran director de cine. Pero, cómo el mismo afirma, la
vida no es como la has visto en el cine, la vida es más difícil.
Se adjunta la increíble e inigualable B.S.O. de la película del compositor y director Ennio Morricone, interpretada en un lugar que, como alumnos de Historia de Arte se debe conocer. Además para quien quiera conocer algunas obras más del autor, se adjunta el enlace siguiente, en el que se recogen sus 10 mejores bandas sonoras. http://www.blogdecine.com/bandas-sonoras/las-diez-mejores-bandas-sonoras-de-ennio-morricone
CUESTIONES PROPUESTAS.
1. Realizar después de ver la película una memoria narrativa, diferenciando
claramente el tiempo presente del pasado.
2.Comenta la estructura (partes) y los recursos narrativos
(flash-back)
3.¿Qué recurso(s) se utiliza para enlazar las secuencias?
4.Reflexión sobre la música y su empleo en la película, ¿tal vez se
abusa de ella demasiado para emocionarnos?
La siguiente entrada va dirigida a la totalidad del alumnado en general, pues sin duda, el complejo museístico que se describe es uno de los máximos referentes españoles, de ahí que deba ser conocido por todos. No obstante se dirigirá especialmente a los alumnos de 2º de Bachillerato, en la asignatura de Historia del Arte, pues sin duda todos estos datos serán muy útiles para los alumnos de dicho curso, que a mediados del mes de Mayo realizarán una visita al Museo en cuestión, acompañados de dos docentes del centro.
La finalidad de la misma no es otra que conozcan algo mejor el Museo más importante que posee nuestro país, el cual al menos una vez en la vida debe ser visitado, dada la riqueza artística de sus fondos.
EL MUSEO DEL PRADO Y SUS OBRAS
El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas. El Real Museo, que pasaría pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y posteriormente Museo Nacional del Prado, abrió por primera vez al público en 1819. El primer catálogo constaba de 311 pinturas, aunque para entonces en el Museo se guardaban ya 1510 obras procedentes de los Reales Sitios. Las valiosísimas Colecciones Reales, germen de la colección del actual Museo del Prado, comenzaron a tomar forma en el siglo XVI bajo los auspicios del emperador Carlos V y fueron sucesivamente enriquecidas por todos los monarcas que le sucedieron, tanto Austrias como Borbones. A ellos se deben los tesoros más emblemáticos que se pueden contemplar hoy en el Prado, tales como El jardín de las Delicias de El Bosco, El caballero de la mano en el pecho de El Greco, El tránsito de la Virgen de Mantegna, La Sagrada Familia conocida como La Perlade Rafael, Carlos V en Mühlberg de Tiziano, El Lavatorio de Tintoretto, el Autorretrato de Durero, Las Meninas de Velázquez, Las tres Gracias de Rubens o La familia de Carlos IVde Goya.
Del Museo de la Trinidad llegaron importantes pinturas como La Fuente de la Gracia de la Escuela de Jan Van Eyck, Auto de fe presidido por santo Domingo de Guzmán de Pedro Berruguete y los cinco lienzos procedentes del Colegio de doña María de Aragón de El Greco. Del Museo de Arte Moderno proceden gran parte de los fondos del siglo XIX, obras de los Madrazo, Vicente López, Carlos de Haes, Rosales y Sorolla.
Desde la fundación del Museo han ingresado más de 2.300 pinturas y gran cantidad de esculturas, estampas, dibujos y piezas de artes decorativas por Nuevas Adquisiciones, en su mayoría donaciones, legados y compras. Las Pinturas Negras de Goya llegaron al Museo gracias a la donación del Barón Erlanger en el siglo XIX. Compras muy interesantes en los últimos años han sido Fábula y Huída a Egipto de El Greco, en 1993 y 2001, La condesa de Chinchón de Goya en el 2000, El barbero del Papa de Velázquez en el 2003 o, más recientemente, El vino en la fiesta de San Martín de Pieter Bruegel el Viejo en 2010, entre otras.
Numerosos legados han enriquecido los fondos del Museo, tales como el Legado de don Pablo Bosch con su magnífica colección de medallas, el Legado de don Pedro Fernández Durán, con su amplísima colección de dibujos y artes decorativas, y el Legado de don Ramón de Errazu con pintura del siglo XIX.
Tanto la colección como el número de visitantes del Prado se han incrementado enormemente a lo largo de los siglos XIX y XX, por lo que el Museo ha tenido que ir acometiendo sucesivas ampliaciones en su sede histórica hasta agotar totalmente las posibilidades de intervención sobre este edificio. Por este motivo, el Prado se ha visto obligado a buscar el camino de su reciente ampliación mediante una solución arquitectónica de nueva fábrica situada junto a la fachada posterior de su sede tradicional y conectada con ésta desde el interior.
Una versión del tradicional juegos de las parejas, con el que conocer algunas de las obras señaladas anteriormente y que clicar sobre ellas podremos ver una breve descripción de las mismas.
Ademas se propone el siguiente vídeo, que igualmente permite conocer algunas obras más pero de una manera mas intima, mas curiosa, a través de sus secretos y misterios mas escondidos.
A continuación se añade por si es de interés del alumno el siguiente enlace, para que conozca una obra que gira en su totalidad en torno al edificio descrito y a las obras que en él se albergan. Es la conocida obra de "El maestro del Prado" de Javier Sierra.
La siguiente entrada, tiene por objetivo permitir al alumno que profundice en el autor y obrA seleccionados. Para ello, en primer lugar, se realiza una breve descripción de la obra, señalando, de manera breve, algunos datos esenciales de la misma. A continuación se adjunta la imagen de la obra en cuestión, de manera que, ademas de para ilustrar el texto, sirve al alumno para seguir la explicación de la misma de una manera más sencilla. Por último se adjuntan una serie de enlaces, en concreto tres, que permiten al alumnado aumentar y afianzar los conocimientos. En el primero de ellos se les propone que reconozcan y recuerden la obra, de manera visual, a través de un puzzle. En el segundo se muestra el reciente descubrimiento musical realizado en la obra. Y en el tercero se puede ver una descripción exhaustiva de la obra gracias a las nuevas tecnologías existentes hoy día.
Se trata de una entrada dirigida a los alumnos de 2º de Bachillerato, que se enmarcaría dentro de la asignatura de Historia del Arte. No obstante dicha entrada se puede extrapolar a cualquier otro curso, dado el carácter general y abierto de la misma, sirviendo, por tanto, como introducción al arte en cursos inferiores al propuesto.
“EL JARDÍN DE LAS
DELICIAS” DE
EL BOSCO.
1-IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA
TÍTULO: El jardín de las Delicias o La pintura del madroño.
CRONOLOGÍA: 1500-1503 (varía según la fuente).
AUTOR: El Bosco.
TÉCNICA Y SOPORTE: Oleo; grisalla sobre tabla.
LOCALIZACIÓN: Museo del Prado en Madrid. Nº catálogo P02823
2-ENCUADRE DE LA OBRA EN LA TRAYECTORIA DEL AUTOR
El
Bosco pintó este tríptico a principios del siglo XVI. Pero no se tiene noticia
de él hasta 1517, un año después de la muerte del artista, cuando el italiano
Antonio de Beatis lo admira en casa del noble de Brabante, Enrique de Nassau.
Los
temas que trata están claramente influidos por sus creencias católicas: la inclinación
del hombre hacia el pecado, en desafío a Dios; la condena eterna a las almas
perdidas en el Infierno, etc. En su obra atacó a los vicios de la sociedad y la
relajación de las órdenes monacales, describió las debilidades a que estaba
expuesto el hombre, lo que ubica su obra, violenta y llena de elementos muy
imaginativos, en un plano moral e intelectualmente superior. El origen de estas
ideas esta en las torturas, como cumplimiento de sentencias, llevadas a cabo en
las plazas públicas de Los Países Bajos, como también en los sermones del dominico
Alain de la Roche, en los cuales describía animales horrendos como símbolos de
los pecados.
3-ANÁLISIS FORMAL
Es la obra cumbre del pintor
holandés El Bosco. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 2,20 x 3,89 m,
compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que
se pueden cerrar. Tiene una estructura muy frecuente en pintura de altar, la
del tríptico con 2 hojas laterales. La analogía de los lados hace aún más patente
la anomalía del centro, que es lo menos adecuado que se pueda imaginar para un
cuadro de altar. Por consiguiente se deduce que formaba parte de una colección
de curiosidades ajena a la esfera religiosa.
4-ANÁLISIS ICONOGRÁFICO
TRÍPTICO CERRADO.
El
tríptico cerrado: La Creación del Mundo, grisalla sobre tabla, 220 x 195 cm.
Las enseñanzas que nos
quiere transmitir con su portada son:
- Que Dios fue el creador
del universo.
- Sólo a Dios debe temerse y
no a las criaturas.
- Nada sucede en el mundo si
Dios no lo permite, incluso lo que viene a continuación.
TRÍPTICO ABIERTO.
LADO
IZQUIERDO:
El
Panel de la Izquierda representa el Paraíso Terrenal. Mide 220 cm. de alto por
97,5 cm. de ancho.
Al
abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del Paraíso
donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán, recién
creados por Dios en medio de un jardín espectacular, con animales variados,
rocas fantasmales, flora original y una imaginativa fuente, la Fuente de la
Vida.
PARTE
CENTRAL:
La
tabla central es El Jardín de las Delicias, propiamente dicho; mide 220 cm. de
alto por 195 de ancho.
El
Jardín de las Delicias es un engañoso jardín de los falsos placeres terrenales,
una consecuencia del pecado original. Cada detalle de este “mundo al revés” nos
lo advierte en el panel central: es el paradisíaco ensueño, es el reino de lo
no durable.
PARTE DERECHA:
El
panel de la derecha representa el Infierno. Mide 220 cm. de alto por 97,5 de
ancho.
Por último, tenemos la tabla
de la derecha donde se representa la condena en el infierno. Con el Infierno,
se completa el ciclo y en él se castiga a aquellos que se dejaron seducir por
los goces placenteros que les ofrecía el jardín central, en ella el pintor nos
muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es condenado
por su pecado. Es una escena que representa el resultado de una vida de
inmoralidad y pecado, donde el artista describe diferentes castigos para los
diferentes pecados.
El más reciente descubrimiento relacionado con la
obra:
Por ultimo señalar que dos estudiantes de Oklahoma
han descubierto una partitura en la obra analizada, concretamente, la partitura
se encuentra en el panel derecho que representa el infierno y está dividida
entre un libro y las nalgas de un hombre aplastado por una bandurria.
Los dos estudiantes adaptaron la melodía de la
partitura a una notación moderna "suponiendo que la segunda línea
estuviera en escala de Do, como era común en los cánticos de la época"
señala.
Una
vez adaptada la partitura, los estudiantes la tocaron al piano dando con una
melodía que hasta ahora no había sido descubierta entre la multitud de detalles
que encierra la obra de El Bosco
Para un mayor conocimiento e identificación de la obra por parte de los alumnos se adjunta el siguiente enlace para que aprendan jugandopinchar aquí.
Como curiosidad se adjunta un vídeo sobre el reciente descubrimiento de la partitura anteriormente señalada, ya que este descubrimiento es todo un acontecimiento, pues demuestra que las obras de El Bosco siguen guardando enigmas, aún por descubrir. Pinchar aquí.
Por último se adjunta un nuevo vídeo que sirve de complemento a la síntesis que se ha realizado sobre la obra, pues en él se disecciona al detalle, y gracias a las nuevas tecnologías, la obra elegida. Pinchar aquí.
